DADAISMO msdl

COS’E’ IL DADAISMO?

Il dadaismo è un movimento artistico nato in Svizzera, a Zurigo, nel 1916.

La situazione storica in cui il movimento ha origine è quello della Prima Guerra Mondiale, con un gruppo di intellettuali europei che si rifugiarono in Svizzera per sfuggire alla guerra e il loro esordio ufficiale viene fissato il 5 Febbraio 1916, giorno in cui fu inaugurato il Cabaret Voltaire fondato dal regista teatrale Hugo Ball.

la serata al Cabaret Voltaire non sono molto diverse dalle serate organizzate dai futuristi: in entrambe vi è l’intento di stupire con manifestazioni inusuali e provocatorie, così da proporre un arte nuova ed originale.

In effetti i due movimenti, futurismo e dadaismo, hanno diversi punti in comune:

1. l’intento dissacratorio
2. la ricerca dei meccanismi nuovi di fare arte
3. utilizzo dei manifesti quale  omento di dichiarazione di intenti

ma anche qualche punto di notevole differenza quale ad esempio il diverso atteggiamento che acquisiscono nei confronti della guerra.

CONTENUTI PRINCIPALI DEL DADAISMO 

TITOLO: la parola Dada non significava assolutamente nulla, e già in ciò vi è una prima caratteristica del movimento: quella di rifiutare ogni atteggiamento razionalistico.

Il rifiuto della razionalità è ovviamente provocatorio e viene usato come clava per abbattere le convenzioni borghesi intorno all’arte.

Pur di rinnegare la razionalità i Dadaisti non rifiutano alcun atteggiamento dissacratorio, e tutti i mezzi sono idonei per giungere al loro fine ultimo: distruggere l’arte.

Distruzione assolutamente necessaria per poter ripartire con una nuova concezione d’arte che non sta più sul piedistallo dei valori borghesi ma coincide con la vita stessa e non è separata da essa.

Il movimento, dopo il sue esordio a Zurigo, si diffonde ben presto in Europa, soprattutto in Germania e a Parigi. Benché il Dadaismo è un movimento ben circoscritto e definito in area europea, vi è la tendenza a far ricadere nello stesso ambito anche alcune esperienze artistiche che, negli stessi anni, ebbero luogo a New York e in tutti gli Stati Uniti.

Ma la vita del movimento è destinata ad avere vita breve , infatti tra il 1922 e il 1924 il Dadaismo scompare e nasce il surrealismo.

BOZZETTO 1 

Fuga di Cervelli

Con questo bozzetto ho voluto rappresentare la fuga dei giovani cervelli (laureati) dalla propria patria verso le grandi città estere, appunto per ricercare quel successo che nel loro paese nativo non sono riusciti ad ottenere. Negli ultimi anni moltissimi sono stati i casi facendo così aumentare la percentuale di laureati in “fuga” aumentandola notevolmente.

Tantissimi articoli trattano di questo fatto di “emigrazione di massa” alla ricerca appunto di maggiore stabilità.

<<Per la prima volta la maggioranza dei giovani italiani, oltre il 61%, è pronta a emigrare all’estero per cercare lavoro. E nove su dieci sono convinti che ormai lasciare la Penisola sia una necessità. Le mete più ambite? Australia, Usa e Regno Unito. E’ il quadro che emerge dal Rapporto giovani sul tema “Mobilità per studio e lavoro”, presentato a Treviso durante il Festival della statistica e della demografia. L’indagine è basata su un panel di1.000 giovani tra i 18 e i 32 anni e promossa dall’Istituto Giuseppe Toniolo, in collaborazione con l’Università Cattolicae con il sostegno di Fondazione Cariplo e di Intesa Sanpaolo.

Il 70% degli intervistati ritiene che l’Italia offra alle nuove generazioni opportunità sensibilmente inferiori a quelle degli altri paesi sviluppati e che difficilmente il divario verrà colmato nei prossimi tre anni. L’83,4% è disposto a cambiare città stabilmente per trovare migliori possibilità di lavoro e di questi ben il61,1% si dichiara disponibile a cercare lavoro all’estero.

Negli ultimi decenni l’Italia è diventata un paese di immigrazione, con una continua crescita della popolazione di cittadinanza straniera. Ma, al contempo, sottolinea il rapporto, è diventato anche sempre più evidente un flusso di uscita di giovani in cerca di un futuro migliore. Va anche considerato che nelle nuove generazioni è fortemente sentito l’aspetto positivo della mobilità, cioè fare nuove esperienze e confrontarsi con altre culture, indicato dal 74,8%degli intervistati.

I paesi che i giovani italiani considerano più attrattivi per un’esperienza di lavoro, non necessariamente definitiva, sono Australia, Usa e Regno Unito che insieme raccolgono oltre la metà delle risposte (il 54,8%). Segue la Germania, paese che presenta una disoccupazione giovanile particolarmente bassa, poi Canada, Francia, Austria, Svizzera e Belgio. Solo l’1,5%indica la Spagna, colpita negli ultimi anni da un’alta disoccupazione giovanile dovuta alla crisi.

“La migrazione italiana negli ultimi anni è decisamente cambiata. Non si tratta più di connazionali che prendono il treno un po’ spaesati e con al braccio valigie di cartone, ma di giovani dinamici, intraprendenti, affamati di nuove opportunità e con un tablet pieno di appunti su progetti e sogni da realizzare – commenta Alessandro Rosina, tra i curatori del Rapporto – Da un lato la generazione dei millennials considera del tutto naturale muoversi senza confini. Sono sempre più consapevoli che la mobilità internazionale è di per sé positiva, perché consente di aprirsi al mondo, conoscere diverse culture, arricchire il proprio bagaglio di esperienze, ampliare la rete di relazioni. Dall’altro lato il sempre più ampio divario tra condizioni lavorative delle nuove generazioni e possibilità di valorizzazione del capitale umano in Italia rispetto agli altri paesi avanzati e in maggiore crescita, porta sempre più giovani a lasciare il paese non solo per scelta ma anche per non rassegnarsi a rimanere a lungo disoccupati o a fare un lavoro sotto inquadrato e sottopagato”.

“I dati – conclude Rosina – restituiscono un quadro meno stereotipato rispetto a quello usualmente fornito nei mass media, schiacciato molto spesso sul tema della fuga dei laureati. La fuga è solo un aspetto del fenomeno, anche se è in effetti quello più problematico. E’ vero inoltre che i laureati tendono maggiormente ad espatriare rispetto a chi ha titoli più bassi, ma soprattutto perché hanno maggiori risorse e possibilità per farlo. La propensione ad andarsene, soprattutto se legata a difficoltà oggettive di trovare lavoro, è sentita in tutte le categorie e tutti i livelli di istruzione“.>>

Terzo Bozzetto

La Fusione

con questo bozzetto ho voluto rappresentare come l’arte moderna riesca a prevalere sui canoni classici accademici. Nella parte superiore ho raffigurato un busto classico che viene stravolto, nella parte inferiore dall’imponenza della scultura moderna.

Nel corso della storia si è sempre fatto riferimento ai canoni classici per interpretare e raffigurare oggetti, corpi o per progettare e costruire edifici e palazzi. Nel corso del XX e XXI secolo però, la tecnica accademica è stata raggirata e scavalcate dal bisogno pi§ espressivo e d’interpretazione personale nella produzione di opere d’arte. Così l’arte delle avanguardie, e successivamente l’arte moderna prende il posto dell’arte classica dell accademie, non cancellandola totalmente ma oscurandola.

<<Considerare l’arte contemporanea non più come una categoria cronologica (un certo periodo della storia dell’arte) ma come una categoria “generica”, vale a dire una certa definizione della pratica artistica, implica che si dovrebbe poter tollerare l’esistenza simultanea, nel mondo attuale, dell’arte contemporanea, dell’arte moderna e perfino dell’arte classica, anche se quest’ultima non ha più protagonisti (cfr. Heinich 1998). Contrariamente al XIX secolo, dove non c’era che un solo “mondo dell’arte”, la seconda metà del XX secolo vede la coesistenza di più mondi artistici. Il fatto è che la produzione artistica del XX secolo, lungi dal ridursi all’“avanguardia radicale”, come affermano molti storici dell’arte, si presenta come plurale, dove due concezioni eterogenee dell’avanguardia coesistono con la tradizione delle “belle-arti”. Se è importante comprendere la natura non cronologica ma categoriale dell’arte contemporanea è perché la sua specificità si gioca al livello della natura delle opere stesse: l’arte contemporanea è un nuovo “paradigma” artistico. Qui la nozione di “paradigma” viene utilizzata nel senso di Thomas Kuhn, secondo il quale un paradigma è tale se fornisce a un gruppo di ricercatori problemi tipici e soluzioni; non si tratta tanto di un modello comune quanto di uno “zoccolo cognitivo” condiviso da tutti. Sempre secondo Kuhn un paradigma non ha potuto imporsi che a prezzo di una rottura con lo stato anteriore del sapere, e sarà probabilmente soppiantato un giorno da un’altra concezione: è così che procedono le “rivoluzioni” scientifiche, non con una progressione lineare e continua della conoscenza, ma con una serie di rotture, in altri termini appunto di rivoluzioni. Si tratta allora di vedere se le “rivoluzioni artistiche” possono essere ugualmente descritte come cambiamenti di paradigma (cfr. Heinich 2014).

Occorrono molte generazioni perché una nuova definizione di arte, un nuovo paradigma, si imponga non solo agli artisti ma anche ai critici e al grande pubblico. Da questo punto di vista c’è stato, nel XX secolo, un cambiamento effettivo di rappresentazioni collettive che vanno in questo senso; si tratta di un cambiamento che è sfociato in ciò che si chiama “arte moderna”, alla quale succederà dopo gli anni Sessanta la cosiddetta “arte contemporanea”. Se è vero che l’“in­com­pa­tibilità” vale relativamente ai paradigmi scientifici, e non vale altrettanto per i paradigmi artistici, che si presentano invece nei vari periodi storici come coesistenti tra loro, è altrettanto vero che la storia dell’arte occidentale ci offre un importante esempio di cambiamento paradigmatico così radicale da comportare una ridefinizione dell’arte: è esattamente quanto capiterà con l’arte contemporanea.

L’arte moderna ha coabitato durante molte generazioni con l’ar­te classica, e anche l’arte contemporanea coabita dopo circa due ge­ne­razioni con l’arte moderna, al prezzo di una “crisi” più o meno endemica. Così, se i paradigmi scientifici si escludono tra loro, almeno logicamente, dato che in realtà essi possono coesistere almeno per un certo tempo, c’è da dire che, anche se a differenza della verità della scienza l’esperienza percettiva dell’arte può ben sopportare la pluralità, tuttavia la coesistenza di differenti paradigmi artistici resta meno lontana dal modello scientifico di quanto possa apparire. Insomma, l’arte contemporanea funziona bene come un paradigma, dotata com’è di caratteristiche proprie, così radicalmente in rottura con gli altri paradigmi artistici – e prima di tutto con il paradigma moderno – che sembra impossibile qualunque coesistenza; è dunque una vera “rivoluzione artistica” che si produce sotto i nostri occhi dopo una cinquantina di anni.

Pensiamo a quattro momenti emblematici che annunciano l’av­ven­to dell’arte contemporanea: l’orinatoio presentato da Duchamp nel 1917, il disegno di De Kooning cancellato da Rauschenberg nel 1953, il foglio di carta attraversato da Murakami nel 1955, il vuoto esposto da Klein nel 1958. Essi esemplificano i quattro generi maggiori dell’arte contemporanea: il ready made, l’arte concettuale, la performance, l’installazione. Ciò che hanno in comune, e che è particolarmente incomprensibile a coloro che si attengono al paradigma moderno, è il fatto che l’opera d’arte non sta più nell’oggetto proposto dall’artista, e questo sia perché non c’è più un oggetto altro dal semplice contenente (un foglio di carta, le mura di una galleria) sia perché l’oggetto non ha valore né esistenza (così l’orinatoio o­riginale è stato perduto, il che non ha impedito che diventasse un’i­cona dell’arte contemporanea); il punto in comune di questi molteplici modi di estendere l’opera al di là dell’oggetto è il racconto di quanto è avvenuto, senza il quale non sarebbe restato nulla, il che è come dire che l’arte contemporanea è diventata essenzialmen­te un’arte del “fare-raccontare” e l’oggetto non è più che un pretesto che mette in moto l’opera. Ma allora l’opera, lungi dal ridursi ai limiti materiali dell’oggetto, è suscettibile di arricchirsi di tutte le interpretazioni, ed è questa realtà che è necessario esprimere per entrare nel paradigma dell’arte contemporanea. Tutto questo orienta l’attenzione verso ciò che inscrive il lavoro artistico negli atti che non sono soltanto mezzi, ma coincidono con la stessa realizzazione dell’“opera”: si passa così dall’oggetto all’atto e di qui la dematerializzazione dell’opera nell’informe, la sua concettualizzazione nell’idea, il suo diventare effimera nella performance.>>_Giuseppe di Giacomo _

Lettura Denotativa

La tecnica utilizzata per la creazione di quest’opera Dadaista è quella del collage. Ho utilizzato diverse immagini di città per poter creare lo sfondo sul quale ho realizzato la sagoma umana, color rosso, rappresentante il giovane cervello in fuga. Al di sopra di essa ho posto il “cervello in fuga” contornato da diverse frecce che indicano direzioni differenti, appunto per simboleggiare le varie vie prese da ogni giovane che cerca successo all’estero, ognuna diretta verso una città diversa.