opere d’arte 2B

artista: Giotto

opera: natività di Maria

dati: circa 1303/1305 dC

tecnica: affresco

dove si trova ?: cappella degli Scrovegni, lato sinistro

dimensioni: 200 x 185

analisi: le figure sono realistiche, questo accade grazie al volume dato, ma grazie anche agli sguardi molto realistici

artista: Giotto

opera: crocifisso

dati: circa 1288/1290 dC

tecnica: tempera e oro

dove si trova ?: Santa Maria Novella, firenze

dimensioni: 578 x 406

analisi: il dipinto mostra la morte di Cristo. Ai lati ci sono i due poveri dolenti Maria e Giovanni l’evangelista. Questo dipinto è molto più realistico di altri perché il sangue che cola lo rende più umano.

artista: Giotto

opera: compianto sul cristo morto

dati: circa 1303-1305 dC

tecnica: affresco

dove si trova ?: Cappella degli Scrovegni a Padova

Dimensioni: 200 x 185

Analisi: Gesù è adagiato in basso a sinistra, stretto dalla madre che, in maniera toccante, avvicina il proprio viso a quello del figlio. Tutta una serie di linee di sguardi e di forza dirigono immediatamente l’attenzione dello spettatore su questo angolo, a partire dall’andamento della roccia dello sfondo che digrada verso il basso. decorato segna la resurrezione di cristo.

artista: Giotto

opera: Omaggio dell’uomo semplice

data: circa 1295/1299 dC

tecnica: affresco

dove si trova ?:  galleria degli uffizi

Dimensioni: 230 x 270  

Analisi: La pittura di questa scena è necessaria in gran parte ad aiuti, ma straordinaria è l’organizzazione della scena. Giotto ha fatto questo dipinto copiando tutto alla perfezione.

artista: Giotto

opera: Maestà di Ognissanti

dati: circa 1314/1315  dC

tecnica: tempera su tavola

dove si trova ?: chiesa di Ognissanti

Dimensioni: 325 x 204 

Analisi: rende tutto più umanizzato e più realistico

artista: Giotto

opera: Fuga in Egitto

dati: circa 1314/1315 dC

tecnica: affresco

dove si trova ?: Cappella degli Scrovegni a Padova

Dimensioni: 2 mx 1,85 m

Analisi: la scena mostra Maria al centro seduta su un asino e reggente il figlio in grembo grazie a una sciarpa rigata annodata al collo. Indossa la veste rossa e un manto

artista: cimabue

opera: Maestà di Santa Trinità

dati: circa 1280/1300 dC

tecnica: dipinta su tavola

dove si trova ?: galleria degli uffizi 

Dimensioni: 385 x 223

Analisi: L’iconografia è quella bizantina della Madonna odigidria, cioè in greco “che indica la via”, perché mostra la Vergine (che secondo la tradizione può essere in piedi o in trono) che indica il Bambino. Cimabue rimane con la vista dei dipinti senza volume

artista: Piero della Francesca 

opera: Dittico dei duchi di Urbino 

dati: 1465-1472

tecnica: tempera e olio su tela 

dove si trova ?: Galleria degli Uffizi, Firenze

Dimensioni: 47 x 33 cm ciascuna tavola  

Analisi: I due dipinti sono oggi separati, ma anticamente collegati da collegati cornice. La pittura su entrambe le parti è infatti pensare a un oggetto privato, piuttosto che un ritratto pubblico da appendere, e magari fu richiesto da Federico stesso come ricordo dell’amatissima moglie, come sembra suggerire anche un certo tono malinconico dell’opera.

artista: Piero della Francesca

opera: Flagellazione di Cristo

dati: 1455-1460

tecnica: Pittura a tempera, Colore ad olio

dove si trova?: galleria nazionale delle marche di Urbino 

Dimensioni: 58,4 × 81,5 cm

Analisi: L’opera è danneggiata da tre lunghe fenditure orizzontali e da alcune cadute di colore. in quest’opera ci sono due storie che indicano i cristiani indifferenti, l’altra invece la flagellazione di cristo

artista: botticelli 

opera: la madonna del magnificat 

data: 1481

tecnica: tempera su tavola

dove si trova ?: Galleria degli Uffizi 

Dimensioni: 118 × 118 cm

Analisi: Essa è riccamente abbigliata, con la testa coperta da veli trasparenti e stoffe preziose ed i suoi capelli biondi si intrecciano con la sciarpa annodata sul petto

artista: botticelli 

Opera: Primavera

data: 1477-1482

tecnica: tempera su tela 

dove si trova ?: Galleria degli Uffizi

Dimensioni:  2,03 mx 3,14 m 

Analisi: Ciò ha fatto spesso supporre che il committente fosse Lorenzo il Popolano, che si era fatto dipingere la  Primavera , e che i due dipinti facessero parte di un medesimo ciclo mitologico 

In un ombroso boschetto, che forma una sorta di semi-cupola di aranci colmi di frutti e arbusti sullo sfondo di un cielo azzurrino, sono diversi nove personaggi, in una composizione bilanciata ritmicamente e fondamentalmente simmetrica attorno all’asse centrale della donna col drappo rosso e verde sulla veste setos

corpo morto di Cristo

forte carica espressiva

inquadratura prospettica

colori scuri e opachi

intenso realismo

artista:ANDREA MANTEGNA

analisi: in questa opera possiamo subito notare il corpo morto di cristo, Andre Mantegna rappresenta questa opera con un intenso realismo, un esempio è la forte carica espressiva presente in ogni volto, ma sopratutto nei dolenti sguardi affianco al soggetto rappresentato. Questa opera è rappresentata con colori scuri e opachi, usando un’ottima inquadratura prospettica.

artista: Antonello da Messina

analisi: in quest’opera si può notare subito l’intensa prospettiva che ci fa sempre più sbalordire, una seconda cosa che si può capire che quest’opera rappresenta l’annunciazione di Maria, rappresentata con una fortissima espressone di umanità. Un punto di forza di quest’opera e il chiaroscuro o volume accompagnato da un forte realismo. quello che ti colpisce di più è come sono riusciti a fare una cosa cosi perfetta con del colore a olio brillante

affresco: L’affresco è una pittura eseguita sull’intonaco fresco di una parete: il colore ne è chimicamente incorporato e conservato per un tempo illimitato.

L’affresco è un’antichissima tecnica pittorica che si realizza dipingendo con pigmenti generalmente di origine minerale stemperati in acqua su intonaco fresco.

è formato da tre parti: supporto, intonaco, colore.

1, Il supporto, di pietra o di mattoni, deve essere secco e senza dislivelli.

2, L’intonaco  è l’elemento più importante dell’intero affresco. È composto di un impasto fatto con sabbia polvere di marmo, o pozzolana setacciata, acqua e calce.

3, Il colore, che è obbligatoriamente steso sull’intonaco ancora umido (da qui il nome, “a fresco”), deve appartenere alla categoria degli ossidi, poiché non deve interagire con la reazione di carbonatazione della calce.

La pittura a olio: è una tecnica pittorica che utilizza pigmenti in polvere mescolati con oli essiccanti.

Le origini della pittura a olio affondano le radici nell’antichità; ne davano notizia già Marco Vitruvio Pollione, Plinio il Vecchio e Galeno.

Come si è visto, la differenza nella tecnica è costituita dal legante che invece di essere uovo, caseina o gomme naturali (tempera), è un olio. Si utilizzano sia oli naturalmente essiccanti (olio di lino, olio di noce, olio di papavero), che essenze o oli essenziali (essenza di trementina, essenza di rosmarino)

artista: Antonello da Messina

opera: Ritratto d’uomo

data: 1475-1476

tecnica: olio su tavola 

dove si trova?: National Gallery di Londra

Dimensioni: 25,5×35,5 cm

Analisi: L’opera ritrae un uomo sconosciuto, di ceto sociale medio-alto a giudicare dall’abbigliamento. La giubba in pelle lascia intravedere la camicia bianca, mentre in testa l’uomo ha una berretta rossa di panno.

La posa è di tre quarti contrariamente alla tradizione dell’epoca.

La luce è radente ed illumina il volto come se si affacciasse da una nicchia, facendo emergere gradualmente i lineamenti e le sensazioni del personaggio. Lo sguardo acuto e penetrante, rivolto verso l’osservatore, mostra una personalità viva.

artista: Leonardo Da Vinci

opera: uomo vitruviano 

data: 1490 circa

tecnica: disegno a penna e inchiostro su carta

dove si trova?: Gallerie dell’Accademia, Venezia

Dimensioni:  35 cm x 26 cm

Analisi:Celeberrima rappresentazione delle proporzioni ideali del corpo umano, cerca di dimostrare come esso possa essere armoniosamente inscritto nelle due figure “perfette” del cerchio, che rappresenta il Cielo, la perfezione divina, e del quadrato, che simboleggia la Terra. Il disegno illustra le proporzioni del corpo umano in forma geometrica ed è accompagnato da due testi esplicativi, nella parte superiore e nella parte inferiore della pagina, ispirati ad un passo di Vitruvio. per me è un’opera unica 

quello che noti subito da queste meravigliose opere è che tutte rappresentano anche se in modo diverso l’annunciazione a Maria, queste tre opere sono anche molto diverse ma hanno tutte lo stesso punto di forza lo splendore che unisce anche gli artisti.

analizziamo opera per opera:

annunciazione 1° è un’opera bellissima che rappresenta Maria e l’angelo, ma se vai ad analizzare puoi vedere che la mano di Maria è messa come se si stesse proteggendo

annunciazione 2° in quest’opera la mano che prima proteggeva il proprio corpo adesso la usa per tenere chiuso il vestito

annunciazione 3° invece in quest’opera le mani non indicano molto, ma se introduciamo anche la schiena dell’angelo possiamo capire che che le mani indicano rispetto per Maria e questo è molto bello.

se guardiamo tutte e tre le opere possiamo capire che  tutti i particolari non mancano

artista: Leonardo Da Vinci

opera: Vergine delle Rocce

data: 1,99 m x 1,22 m

tecnica: Colore ad olio

dove si trova?: Museo del Louvre 

Dimensioni: 1483–1485  

Analisi:La scena si svolge in un umido paesaggio roccioso,  in cui dominano fiori e piante acquatiche, descritti con minuzia da botanico; da lontano si intravede un corso d’acqua. Al centro Maria allunga la mano destra a proteggere il piccolo san Giovanni in preghiera, inginocchiato e rivolto a Gesù Bambino, che si trova più in basso, a destra, in atto di benedirlo e con il corpo in torsione. Dietro di lui si trova un angelo, con un vaporoso mantello rosso, che guarda direttamente verso lo spettatore con un lieve sorriso, coinvolgendolo nella rappresentazione, e con la mano destra indica il Battista, rinviando lo sguardo verso il punto di partenza in una moltitudine di linee di forza. La mano sinistra di Maria si protende in avanti come a proteggere il figlio, con un forte scorcio.

artista: Leonardo Da Vinci

opera: Gioconda 

data: 77 cm x 53 cm

tecnica: Colore ad olio su tavola

dove si trova?: Museo del Louvre 

Dimensioni: 1503–1504 

Analisi: La Gioconda, nota anche come Monna Lisa, è un dipinto a olio su tavola di legno di pioppo realizzato da Leonardo da Vinci, databile al 1503-1504 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Opera iconica ed enigmatica della pittura mondiale, si tratta sicuramente del ritratto più celebre della storia nonché di una delle opere d’arte più note in assoluto. Il sorriso impercettibile del soggetto, col suo alone di mistero, ha ispirato tantissime pagine di critica, letteratura, opere di immaginazione e persino studi psicoanalitici, ha uno sfondo umido che la rende speciale, e un espressione unica nel suo genere

artista: Leonardo Da Vinci

opera: Dama con l’ermellino

data: 54 cm x 39 cm

tecnica: Colore ad olio

dove si trova?:  Museo nazionale di Cracovia, Castello del Wawel, Czartoryski Muzuem di Cracovia

Dimensioni: 1489–1490

Analisi: In quest’opera lo schema del ritratto quattrocentesco, a mezzo busto e di tre quarti, venne superato da Leonardo, che concepì una duplice rotazione, con il busto rivolto a sinistra e la testa a destra. Vi è corrispondenza tra il punto di vista di Cecilia e dell’ermellino; l’animale infatti sembra identificarsi con la fanciulla, per una sottile comunanza di tratti, per gli sguardi dei due, che sono intensi e allo stesso tempo candidi. La figura slanciata di Cecilia trova riscontro armonico nell’animale, si può notare anche che entrambe le opere sono ritratti e entrambe magnifiche

artista: Giotto

opera: Madonna di Ognissanti

dati: 1306

tecnica: tempera su tavola

dove si trova ?: chiesa di Ognissanti, Galleria degli Uffizi

Dimensioni: 325 x 204 

analisi: il fondo oro e le proporzioni gerarchiche, queste ultime dovute forse alla necessità di mostrare il maggior numero possibile di fedeli attorno alla Vergine. Il tema della Maestà è reinterpretato con grande originalità, incentrato sul recupero della spazialità tridimensionale degli antichi e sul superamento della frontalità bizantina. La Madonna e il Bambino hanno un volume solido. Le figure sono incorniciate da un raffinato trono cuspidato, creato secondo una prospettiva intuitiva ma efficace, che accentua la profondità spaziale, nonostante il fondo oro. Esso si ispira a Cimabue,

artista: Duccio di Buoninsegna

opera: madonna Rucellai

dati: 1285

tecnica: tempera e oro su tavola

dove si trova ?: Galleria degli Uffizi 

Dimensioni: 450×290 cm

analisi:L’opera si ispira alla Maestà del Louvre di Cimabue, dipinta circa cinque anni prima, con la stessa disposizione del trono in tralice, la stessa inclinazione dei volti, i medesimi gesti della madre col figlio, la stessa impostazione della cornice. carico di ancora maggiore dolcezza nei volti e nella dolente umanità che supera i rigidi schematismi bizantini, facendo eco all’importanza tributata nel Duecento ai culti mariani. Inoltre Duccio vi immise un nervoso ritmo lineare, come sottolineato dal capriccioso orlo dorato della veste di Maria

artista: Michelangelo Buonarroti

opera: Pietà

dati: 1497-1499

tecnica: scultura  Marmo bianco di Carrara

dove si trova ?: Basilica di San Pietro

Dimensioni: 1,74 m x 1,95 m

analisi:Il soggetto del gruppo scultoreo è definito nel contratto: «Una Pietà di marmo, cioè una Vergine Maria vestita con un Cristo morto nudo in braccio». Michelangelo innovò invece la tradizione concependo il corpo di Cristo come mollemente adagiato sulle gambe di Maria con straordinaria naturalezza, privo della rigidità delle rappresentazioni. Le due figure sembrano fondersi in un momento di toccante intimità, dando origine a un’originale composizione piramidale, raccordate dall’ampio panneggio sulle gambe di Maria, dalle pieghe pesanti e frastagliate,  effetti di chiaroscuro

artista: Michelangelo Buonarroti

opera: David

dati: 1430–1440

tecnica: scultura  

dove si trova ?:  Galleria dell’Accademia di Firenze (dal 1873)

Dimensioni: 517×199 cm

analisi: Michelangelo per fare quest’opera prende spunto dal Doriforo, un’altra scultura bellissima. Michelangelo però ribalta tutto creando movimento, lui lo lancia il sasso, anche se è una scultura prima di movimento lui c’è lo fa credere. quest’opera è magnifica esprime in pieno il senso di potenza di David, tanto che gli fa anche i muscoli e  le vene creando una realtà anche se ferma, gli da anche se immobile una concentrazione fissa

per sono due bellissime opere, entrambe ben fatte e sicuramente ci hanno messo tanto tempo, ma io preferisco il David di Michelangelo, perché è più realistico e con più particolari. David sembra che lanci il sasso con una mira infallibile, che potrebbe trapassare ogni cosa, invece il Doriforo per quanto sia bello non mi piace, perché per me è rappresentato male, invece David è perfetto in questo caso. Per me Michelangelo è un grandissimo artista che fa opere stupende lo abbiamo visto nella pietà e lo vediamo nel David.